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jueves, 27 de febrero de 2014

San Jorge y el dragón, por Bernat Martorell (1434/1435)


San Jorge y el dragón / Sant Jordi i el drac
 
Quiero comenzar un nuevo recorrido histórico en el tiempo de otro santo guerrero; en este caso y tal y como me sugirió mi amigo Roger, lo haré de uno de los santos más emblemáticos y representados durante el medievo: San Jorge.
San Jorge fue el santo protector por excelencia de los caballeros, y se instituyó como santo patrón de Inglaterra, Portugal y del Reino de Aragón, entre otros.
La figura de San Jorge, "Sant Jordi ", nos ha dejado las que son, posiblemente, algunas de las imágenes más bellas del arte medieval.

Hoy vamos a empezar por una de esas obras maestras:

San Jorge y el dragón, de Bernat Martorell.

Bernat Martorell (San Celoni 1390 – Barcelona 1452) es un pintor perteneciente a la segunda etapa del estilo gótico internacional en Cataluña, más próximo al estilo flamenco. Su pintura es de una gran precisión técnica usando una pincelada minuciosa y de un gran colorido. Lo cual convierte sus obras en auténticos documentos historiográficos.
(1) Tabla  de San Jorge y el dragón por Bernat Martorell
 
Esta obra es una pintura al temple sobre tabla, que forma parte de un retablo realizado por el artista entre los años 1430-1435 y que actualmente se encuentra repartido entre los Museos de Chicago (Art Institute of Chicago) y el Louvre.

El panel principal, fechado hacia el 1434/1435, nos muestra a San Jorge en el momento de luchar contra el dragón para salvar a la dama.

Esta obra es de una gran belleza plástica pero además tiene la virtud de mostranos a un caballero completamente armado de una época de transición de la que se conservan pocos restos materiales.

Descripción del caballero:

San Jorge monta un caballo blanco. Se aposenta sobre una silla cómoda y ligera pero con los arzones traseros envolviendo ligeramente al caballero por detrás para sujetarlo más firmemente; las piernas completamente estiradas se apoyan en los estribos en un tipo de monta denominada "a la brida", característica de la caballería pesada que pretendía manterner al caballero lo más firmemente asentado posible, a fin de aumentar su potencia y efectividad en el choque contra el adversario.

Llama la atención el aire de "modernidad" que muestra la figura del caballero, éste se nos presenta vestido con armadura completa siguiendo las modas más novedosas importadas desde los centros armeros de Italia (especialmente Milán).

Su armadura va completamente "pavonada" en negro, técnica mediante la cual se protegía de la corrosión a la armadura, a la vez que le proporcionaba un aspecto estéticamente agradable, al contraste con los elementos dorados de la armadura.
 
 (2) Detalles de la armadura de San Jorge , 1434/1435. (Art Institute of Chicago)
 
El caballero protege su cabeza con un "almete". Este tipo de casco, de origen posiblemente italiano, tuvo una amplia difusión , y quizás sea ésta una de las primeras representaciones gráficas del mismo en la Península Ibérica.
Se trata de un tipo de casco que cubre toda la cabeza y consta a su vez de una vista o visera abatible y de un gorjal que defiende la cara y el cuello.
 
Protege su pecho con una coraza, que no se puede apreciar, ya que sobre ella lleva una pieza de tela anudada a la coraza y sobre la cual porta su divisa o enseña, en este caso la "Cruz de San Jorge", de color rojo, sobre fondo blanco.
Una apertura lateral en este tejido permite sobresalir el "ristre" sobre el que el caballero hacía descansar su lanza cuando se disponía a cargar contra un adversario.

La protección del abdomen se completa mediante la "sobrebarriga", formada por cuatro anchas launas de metal.
Estas amplias sobrebarrigas son herederas aún de la tradición peninsular que podemos rastrear en los ejemplos escultóricos de finales del siglo XIV y principios del XV en Galicia.
De la sobrebarriga pendén mediante correas unas características escarcelas rectangulares.

Para proteger los hombros lleva dos hombreras, éstas presentan también una importante novedad, son asimétricas. La derecha es de pequeño tamaño, con la finalidad de que no estorbara la colocación de la lanza sobre el ristre o los movimientos del brazo del caballero; mientras que la izquierda es de mayor tamaño, a fin de proteger mejor la parte más expuesta del caballero al ataque del contrincante.
Estas hombreras iban unidas mediante cordones o un pasador, como en este caso, a las piezas subyacentes de la armadura.
Bajo la coraza podemos ver una lóriga de cota de malla también pavonada de color negro.

Los brazos codos y antebrazos perfectamente cubiertos, las manos con guanteletes de tipo italianizante y guantes con protecciones metálicas para los dedos.
Al igual que las piernas que van perfectamente protegidas por las pertinentes piezas de metal.

La mayoría de los rebordes de las piezas metálicas van decoradas en color dorado, que resaltan sobre el negro de la armadura.
Lleva también unas largas espuelas doradas, uno de los símbolos del caballero, y tan necesarias en la monta a la brida.

Con la mano derecha sostiene una lanza con la insignia de San Jorge en ademán de alancear al dragón, mientas con la izquierda sujeta las bridas del caballo.
Del costado derecho pende un puñal con caras o facetas prismáticas que favorecían su uso frente a adversarios igualmente cubiertos con armadura.
Del costado izquierdo pende una espada, de la que sólo se alcanza a ver el pomo dorado de la misma.
No lleva escudo, el nuevo caballero se siente invulnerable tras sus protecciones de metal, debidamente reforzadas en los puntos más sensibles o vulnerables.
 
(3) La princesa, ricamente ataviada, observa el desenlace de la contienda.
 
Conclusión:

Estamos ante una obra singular del ámbito catalán, que podremos comparar en próximas entradas con otros caballeros del levante peninsular; y que denotan, por una parte, una muy temprana asimilación de los modelos que surgen en Italia, aunque manteniendo características propias.
La calidad de esta obra pictórica del gótico internacional nos ayuda, una vez más, a comprender más sobre como vestían y se armaban aquellos caballeros de la Edad Media.

Fotografías:
(1),(2),(3) Estas fotografías han sido obtenidas de:

martes, 18 de febrero de 2014

El retablo de San Miguel, en Corrales de Duero, o la imagen de un caballero del 1500


 


 
 San Miguel Arcángel, con sus atributos, vestido como un caballero.
Fotografía cortesía de: Domus Pucelae

 
El Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid conserva este magnífico retablo de singular belleza.
Procede de la población de Corrales de Duero y es obra atribuida al Maestro de Osma, fechándose la ejecución de esta obra entre los años 1500 a 1510.
Retablo de San Miguel (Maestro de Osma), 1500-1510 en el Museo diocesano de Valladolid
Fotografía cortesía de: Domus Pucelae
 
San Miguel se nos muestra una vez más como un luchador infatigable y es representado cual armado caballero, a caballo entre los siglos XV y XVI.
En este caso San Miguel viste una armadura que nos sigue situando en la moda de finales del siglo XV; de hecho esta obra recuerda mucho, en algunos detalles ,a la escultura de D. Luis Pimental y Pacheco, especialmente por el uso que se hace del dorado en los ribetes de las piezas metálicas de la armadura.
 
 
Descripción del caballero:
Viste armadura completa, la coraza formada por peto y sobrepeto con decoración de latón dorado en los bordes.
La sobrebarriga está formada por cuatro launas de metal, festoneadas; dos escarcelas pequeñas sujetadas por correas verdes penden de la última launa.
Bajo la armadura se aprecia una lóriga de cota de malla de mangas largas y anchas, que termina con las últimas hileras en dorado.
 
Fragmento del retablo, se aprecia como los detalles dorados realzan la elegancia de la armadura.
Fotografía cortesía de: Domus Pucelae
 
Bajo la cota de malla viste un jubón negro de manga larga ajustada y con cuello rígido o collar pequeño, y bajo el jubón una camisa.
No lleva protecciones de metal en brazos, codos ni antebrazos, lo cual explica que use una lóriga  de manga larga. Protege las manos con guanteletes.
Protege sus piernas con quijotes con algunas acanaladuras en su parte superior, rodilleras y grebas, que se abrochan con hebillas doradas y con correaje de color verde, no lleva escarpines y el calzado es apuntado.
Sobre la armadura lleva una capa que se abrocha mediante una cinta dorada rematada con joyas en los extremos.
En una de las escenas aparece armado con una espada de pomo redondeado y arriaces ligeramente curvados, ambos en color dorado.
Mientras que en otra escena empuña una lanza, lleva guantes de color rojo y protege la mano y antebrazo con una manopla de metal de tipo italianizante.
Detalle del retablo de San Miguel (Museo diocesano de Valladolid)
Fotografía cortesía de: Domus Pucelae
Conclusiones:
Se trata por lo tanto de la pintura de un caballero vestido con armadura a la moda de finales del siglo XV.
La ausencia de algunos de los elementos de la armadura, como las hombreras, brazales, codales o escarpines, así como el uso de una lóriga de manga larga nos hacen caer en la cuenta ,una vez más, de la gran variabilidad que podía haber en la forma de vestirse para el combate, ya que el caballero podía combinar a su antojo distintas piezas de su armadura según las circunstancias. 
 
Agradecimientos:
Quiero agradecer a la Asociación cultural de Valladolid: Domus Pucelae, el haberme permitido hacer uso de las imágenes de su magnífico blog y especialmente a Jose Miguel Travieso Alonso por las facilidades dadas.
Para saber más:

lunes, 10 de febrero de 2014

La armadura castellana de final del siglo XV en la figura de Don Luis Pimentel y Pacheco


 
 

 Don Luis Pimentel y Pacheco (I Marqués de Villafranca del Bierzo, h. 1497)
Fotografía cortesía de: José Miguel Travieso Alonso.
  
El Museo Nacional de Escultura de Valladolid, es uno de los espacios museísticos más bellos que he visitado. En un marco arquitectónico incomparable, el del antiguo Colegio de San Gregorio, encontramos un sinfín de tesoros del arte español.
Y en una de las primeras salas de su recorrido nos espera esta sorprendente escultura castellana:
Se trata de la escultura funeraria de Don Luis Pimentel y Pacheco (I Marqués de Villafranca del Bierzo).
Este caballero, que se había distinguido con valor en la guerra contra Portugal, falleció en el año 1497, cuando contaba con treinta años de edad, a consecuencia de una caída del caballo, acaecida en Alcalá de Henares.  
Tras su repentina e inesperada muerte fue seguramente su padre, D.Rodrigo de Alonso de Pimentel (IV Conde de Benavente), el que se encargó de todo lo relativo al enterramiento de su hijo primogénito en el convento de San Francisco  de  Villalón (fundación realizada por el propio Conde en el año 1470).
 
La escultura de Don Luis Pimentel es una obra singular y
única por varios conceptos:
 
En primer lugar por tratarse de una talla de madera, material que si bien hemos visto usarse para este tipo de esculturas durante los siglos XII y XIII no solía usarse, o al menos no se ha conservado, para este tipo de esculturas durante el siglo XV. Se ha pensado que la premura por tener terminado el monumento funerario pudiera haber influido en la decisión de usar este material.
Sala del Museo de Escultura Nacional de Valladolid, donde se encuentra esta escultura yacente.
Fotografía cortesía de: José Miguel Travieso Alonso.  

En segundo lugar se trata de una talla de una  gran calidad técnica y un elevado sentido artístico, tratándose además de una obra bellamente policromada. La talla mantiene en conjunto un estado de conservación excepcional, salvo las manos y los pies que puede que hayan sido destrozados a propósito para quitar la espada que sujetaría el caballero. 
En tercer lugar destacar el interés histórico y arqueológico de la talla en si misma, ya que viene a representarnos con detallada precisión a un caballero con armadura de finales del siglo XV.  

Descripción del caballero:

Don Luis Pimentel es representado con semblante sereno, como sumido en un sueño.
El peinado sigue la moda imperante en la Península a finales del siglo XV, flequillo recortado y el pelo largo o melena cayendo sobre los hombros.
Cubre la cabeza con un bonete alto y ancho de color negro.
Detalle de la escultura de Don Luis Pimentel, armado según la moda de finales del XV
Fotografía cortesía de: José Miguel Travieso Alonso.

Viste una armadura completa.
La coraza consta de peto y sobrepeto que se fija en su parte superior mediante un remache (que se ha perdido en la escultura); esta tipología de coraza es la más extendida en el ámbito castellano durante el último cuarto del siglo XV.
Cubre el abdomen con una sobrebarriga formada por cuatro launas de metal festoneadas.
Dos escarcelas delanteras, anchas y cortas, penden de la última launa de sobrebarriga, y también se aprecian escarcelas laterales anchas y de menor tamaño, que probablemente se continúen con escarcelas posteriores.
Siendo llamativa la manera de disponerse prácticamente circunvalando al caballero.
Sobre los hombros lleva hombreras de metal, formadas por tres piezas superpuestas. Lo más característico es que se tratan de dos hombreras por completo simétricas, a diferencia de la asimetría que suele observarse en las mismas en las armaduras de influencia italiana.
Cubre los antebrazos y brazos con brazales (avambrazo para el antebrazo y guardabrazo para el brazo) y  los codos con codales. No se aprecian los guanteletes pues las manos han sido arrancadas.
Las piernas las protege con quijotes, las rodillas con rodilleras unidas a launas metálicas articuladas y las piernas con grebas, los pies han sido igualmente destrozados.
Como característica reseñar que todas las piezas de armadura que protegen brazos y piernas aparecen representadas como piezas completas, es decir que cubren la parte anterior y posterior de los miembros, unidas por unos decorativos cierres.
Bajo la coraza el caballero lleva una lóriga de cota de malla que sobresale a distintos niveles terminando en dientes de sierra.
A nivel del cuello forma incluso a manera de dos finas capas superpuestas de cota de malla, una por encima de otra, terminando las dos en forma dentada.
Sobresale bajo las hombreras y sobre el guardabrazo, y cubre igualmente hasta el tercio superior del muslo.
 
Fotografía de: Museo Nacional de Escultura de Valladolid http://museoescultura.mcu.es/
Catalogación: José Ignacio Hernández Redondo. http://ceres.mcu.es/pages/Main
 
Toda la escultura está policromada, habiéndose conservado los colores con aceptable nitidez.
La armadura por completo está pintada de un color aproximadamente blanco, lo cual no es desacertado, ya que las piezas de metal pulido de una armadura completa podían, a la luz del sol,  deslumbrar y reflejar este color.
Esto nos recuerda también la expresión “ir de punta en blanco” referida a un caballero perfectamente preparado para la batalla con sus armas y su armadura completa y pulida, expresión que también ha pasado al vocabulario usual como sinónimo de ir elegantemente vestido.
Todos los bordes y ribetes de las piezas de metal y de la cota de malla van en color dorado.
Esto también es real y o hemos visto en otras esculturas de caballeros y en piezas de museos.
Los bordes de las piezas de metal iban en muchas ocasiones revestidos con una fina tira de latón dorado, lo cual añadía un elemento estético y decorativo a la armadura.
Por otra parte era habitual que las últimas filas de cota de malla estuvieran realizadas por eslabones de metal dorado o latón para crear ese contraste artístico.

Conclusión:
Estamos ante un caballero, integrante de la alta nobleza de Castilla, vestido con una rica armadura.
Su escultura nos presenta la tipología más común de la armadura castellana del último cuarto del siglo XV, con algunos detalles típicos del final del siglo.
La calidad artística de su talla así como su importancia como fuente documental iconográfica le confieren un gran valor a esta obra singular, dotada además de una gran fuerza expresiva.

Agradecimientos:
Quiero dar las gracias a José Miguel Travieso Alonso (al que he tenido el placer de conocer a través del magnífico blog de la asociación cultural de Valladolid: Domus Pucelae), por haberme facilitado unas magníficas fotografías de este caballero, realizadas por él mismo, así como por facilitarme documentación sobre esta escultura.


 

viernes, 31 de enero de 2014

El Calvario de la Iglesia de la Magdalena de Jaén. Continuidad y cambio en las armaduras medievales.


El Calvario de la Iglesia de la Magdalena de Jaén, un ejemplo de continuidad y cambio a principios del Renacimiento en las armaduras medievales.
  
  Calvario de Jerónimo Quijano, (hacia 1524). Iglesia de La Magdalena, Jaén.
Hace unos días subí al antiguo Barrio de la Magdalena en la Ciudad de Jaén para ver este conjunto escultórico.

La Iglesia de la Magdalena custodia en un sitio de honor en una de sus naves laterales este magnífico calvario, obra que inicialmente fue atribuida al artista italiano Jacopo Florentino; pero actualmente se cree que fue realizada por su discípulo Jerónimo Quijano (1500-1563), el cual se encontraba trabajando en el Coro de la Catedral de Jaén en el año 1524.
Iglesia de La Magdalena, Jaén, capilla lateral.

Además del intrínseco valor artístico de esta obra, otro motivo de interés de la misma es el estudio de la indumentaria de los personajes, y concretamente el de los dos  “soldados romanos” armados, situados a la derecha del espectador.
Como ya hemos visto en otras obras de arte, durante la Edad Media (y por algún tiempo más), la representación de las escenas de la Pasión de Cristo o de la vida de los Santos, se hacía de acuerdo a las modas vigentes en el momento de la realización de la obra.

Así que aquí tenemos a estos dos “romanos” vestidos como dos guerreros de principios del XVI, según las modas imperantes entonces en la Península Ibérica.

Veamos:

Primer caballero: A la derecha de la escena, lleva una armadura pavonada de color negro, con peto, sobrepeto y sobrebarriga de la que penden dos amplias escarcelas.
Lleva además dos amplias hombreras con protecciones típicas del XVI, mientras cubre la cabeza con una celada abierta con la visera levantada.
Algunas partes significativas de la armadura como los codales y las rodilleras son doradas, al igual que los rebordes de la cota de malla.
El pavonado servía para proteger de la corrosión pero además proporcionaba un elegante contraste con los elementos dorados de la armadura.
En la mano derecha sostiene una alabarda, mientras con la izquierda sostiene un escudo alegórico.
Del costado izquierdo pende una arma, que por el tipo de empuñadura y su pomo con cabeza de animal parece tratarse de un bracamante.  

Segundo caballero: Algo más a la izquierda, por detrás del primer caballero podemos ver a nuestro segundo hombre.

Lo primero que nos llama la atención es su casco pavonado en negro, algo alto, con la arista central muy marcada y terminando en punta en su parte superior, ligeramente caída hacia atrás; dispone de alas, aunque no muy pronunciadas en este caso.
Se trata de un tipo de casco denominado “capacete”, con una morfología típicamente hispana.
Cubre parte de la cara con un “gorjal” que se suele prolongar de manera alargada protegiendo también el cuello y la parte superior del pecho.
Este tipo de protección para cabeza, cara y cuello formada por capacete y gorjal tuvo amplísima difusión en la Península durante el último tercio del siglo XV, ya que proporcionaban una buena protección a la vez que eran más cómodos y prácticos que otros tipos de cascos más cerrados.
Eran famosos los producidos en los talleres de Calatayud, y se conservan ejemplares de ellos en diversos museos del mundo.
Cubre el tórax y abdomen con una brigantina claveteada de color dorado.
Por delante de la brigantina vemos como cruza su brazo protegido por brazales y codal, al igual que protege sus piernas con piezas de armadura. (Estas piezas combinan el pavonado y el dorado al igual que en el anterior caballero)
Le representan con una túnica de tela (posible licencia artística) bajo la brigantina, echándose en falta la protección de una lóriga de cota de malla.

Conclusión:
Dos hombres armados en la escena, del primer cuarto del siglo XVI.

El primero viste una armadura completa, que sigue básicamente los esquemas de las últimas décadas del siglo XV, pero en la que observamos ya los cambios de moda propios del comienzo del nuevo siglo.
Este nuevo caballero, se presenta en primer plano, sosteniendo en su mano izquierda un historiado escudo de fuerte sabor renacentista.
El segundo hombre, permanece en un segundo plano, y va vestido a la moda de los jinetes y caballeros armados a la ligera de finales del siglo XV.
Una moda que estuvo fuertemente arraigada en la Península Ibérica, y que demostró su versatilidad y eficacia en múltiples campos de batalla; una manera de vestirse y armarse que perduró  y aún tuvo su lugar en el Nuevo Mundo y en los campos de Italia, pero una moda que será pronto eclipsada por otras.


 Fuente renacentista de Los Caños, en Jaén.
Atardece… bajo caminado por las empinadas callejas del Jaén antiguo, me encuentro con la Fuente de los Caños, el nuevo tiempo del Renacimiento en el corazón de la ciudad medieval, una alegoría más del paso del tiempo…

lunes, 20 de enero de 2014

San Miguel: Un recorrido histórico/artístico para el estudio de las armaduras en la Edad Media

San Miguel Arcángel 
 

Existen algunos ejemplos muy característicos de santos “armados”, los más conocidos son, sin lugar a dudas, San Jorge y San Miguel.
Estos santos, muy venerados durante siglos en todo el ámbito peninsular y europeo han gozado de una abundante iconografía: tallas, pinturas, grabados... y han estado por lo tanto presentes en infinidad de nuestras iglesias y conventos.
Durante la Edad Media y principios de la Edad moderna estos santos fueron representados vistiendo los ropajes y armaduras de dichas épocas. De manera que se convierten en un modelo excepcional para estudiar la evolución de las armaduras y las protecciones corporales.

Esta entrada del blog pretende ser por lo tanto un recorrido por las distintas figuras del santo que nos han llegado, algunas conservadas en los lugares en que fueron originariamente ubicadas, otras en museos diocesanos, provinciales o estatales, o incluso aquellas que se custodian actualmente fuera de nuestro país.

Cada imagen irá acompañada de una breve explicación sobre su indumentaria; aunque hay que tener en cuenta que los artistas se permitían en ocasiones algunas licencias en este tipo de representaciones, que se irán explicando cuando sea preciso.
El recorrido visual de manera cronológica de estas imágenes nos irá dando una idea bastante aproximada del desarrollo de las protecciones corporales en las diferentes épocas.

He de comentar por tanto que esta entrada estará en continua revisión, ya que se irán añadiendo nuevas imágenes.
 
San Miguel Arcángel. Metropolitam Museum of art 

Témpera sobre madera. Procedencia: España
Autor: desconocido (Escuela valenciana)
Fecha: c.a. 1405
 
Saint Michael and the dragon. The Metropolitan Museum of Art, European paintings (12.192)
Image © The Metropolitan Museum of Art

Descripción: Se representa a San Miguel como un caballero con protecciones metálicas de armadura para piernas y brazos. Lleva una espada característica del principio del siglo XV en la mano derecha y una pequeña rodela en la izquierda. Viste una lóriga de cota de malla con bordes dorados.
Con la espada se dispone a asestar una "estocada" al dragón, para ello desliza el dedo índice por encima del arriaz, mientras que los otros tres dedos permanecen sobre la empuñadura.
Pero lo más característico de este caballero es, sin duda, el "jaque", entallado, recubierto de un rico tejido color carmesí, con decoración estampada de color oro, que le cubre el pecho y el abdomen. En este caso se abrocha en el pecho con tres hebillas por su parte delantera.
Su aspecto abombado en el tórax sugiere que estaría internamente reforzado por amplias placas de metal.
El jaque cubre también el abdomen, en el que se aprecia el claveteado dorado que sujetaba las láminas de metal internas. Se abrocha mediante cuatro hebillas en su parte delantera. Termina en unas prolongaciones decorativas en su parte inferior, documentadas en otras obras.
Mientras que las cintas o pteruges de los hombros parecen algo exagerados (posible licencia del artista)
Un bello cinturón se ajusta a nivel de las caderas, y de este pende un puñal.
Adorna su cabeza con una diadema (licencia artística o símbolica)
Se trata de una obra excepcional

San Miguel Arcángel. Metropolitam Museum of art

Témpera y óleo sobre madera.
Autor: Maestro de Belmonte, (activo entre 1460 y 1490)
Fecha: 1460-1490


 Saint Michael.  Master of Belmonte (Spanish, Aragon, active ca. 1460–90)
The Metropolitan Museum of Art, The Cloisters Collection, 1955 (55.120.2)
Image © The Metropolitan Museum of Art
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/471730?rpp=20&pg=1&gallerynos=20&rndkey=20140122&ao=on&ft=*&pos=8#fullscreen
Descripción: San Miguel protege sus brazos y piernas con piezas de armadura, muchas de las cuales se rematan con una decorativa banda de latón dorado.
Viste lóriga de cota de malla, con amplias mangas y terminando en sus extremos con anillado dorado.
Cubre el pecho y abdomen con una brigantina, pieza menos entallada que el jaque, y que no tiene la disposición abombada en el pecho de este último.
La brigantina estaba forrada interiormente por multitud de pequeñas láminas de metal, unidas entre sí y remachadas con la tela o tejido que cubría de manera que suele aparecer el claveteado externamente constituyendo un elemento decorativo de esta prenda.
En este caso no se aprecian los clavos dorados externamente, y el rico estampado nos recuerda el de los jaques; no obstante el jaque ha desaparecido ya en la segunda mitad del siglo XV y será la brigantina la prenda de vestir por excelencia entre infantes y jinetes.
Al cinto lleva un puñal de hoja piramidal, y una espada de patillas con arriaz recto.
LLeva en su mano derecha una lanza y en la izquierda sujeta un pequeño escudo.
 
San Miguel Arcángel. Metropolitam Museum of art 

Talla en alabastro.  Procedencia: España
Autor: desconocido.
Fecha: finales del siglo XV
 
St Michael. The Metropolitan Museum of Art, Sculpture (Stone) (16.32.155)
Image © The Metropolitan Museum of Art
http://www.metmuseum.org/Collections/search-the-collections/463753?rpp=60&pg=2&rndkey=20140119&ao=on&ft=*&where=Spain&pos=67
Descripción: El santo se representa vestido con armadura completa, sólo parcialmente visible por el manto que le cubre. Coraza con peto y sobrepeto. Lóriga de cota de malla que sobresale por el cuello. Hombreras de dos piezas, guanteletes para proteger las manos.
Sus atributos: balanza en mano izquierda, mientras levanta la mano derecha para ensartar a un dragón o demonio.
Armadura característica de finales del XV.
 

St. Michael. The Metropolitan Museum of Art, (16.32.155)
Image © The Metropolitan Museum of Art
 http://www.metmuseum.org/collections/search-the-collections/463753?img=7


San Miguel Arcángel. Statens Museum for Kunts,

Copenhagen, (Denmark)

Pintura.  Procedencia: España
Autor: desconocido.
Fecha: Principios del siglo XVI

http://commons.wikimedia.org/wiki/File%3ASt._Michael_and_the_Dragon_by_unknown_Spanish_artist_-_Statens_Museum_for_Kunst_-_DSC08174.JPG
By Daderot (Daderot) [CC0 or CC0], via Wikimedia Commons

Descripción: El santo se representa vestido con una bella armadura, pavonada en negro, con resaltes en forma de punta de diamante a lo largo de las protecciones de brazos y piernas.
El peto, con gran escotadura,  presenta una decoración a manera de franjas doradas decoradas con volutas y un angelote, lo cual nos sitúa ya en el Renacimiento español. Se une mediante una fina y larga correa al espaldar; mientras que el cuello y la parte superior del tórax se cubre  con una protección de pequeñas láminas (no documentada con anterioridad) que termina también con la misma cenefa dorada.
LLeva una lóriga de malla con los bordes dorados, termina el faldellín de malla de manera dentada.
Escarpines de punta algo redondeada.
Sus atributos: en la mano izquierda sostiene la balanza, mientras que con la derecha sostiene una espada de arriaz recto con patillas y que presenta un pomo decorado con joyas.
Se trata de un tipo de armadura ricamente decorada, de principios del primer tercio del siglo XVI
 
 

sábado, 18 de enero de 2014

Dos caballeros del 1500 en la Tierra de Campos


Dos caballeros al servicio de los Reyes Católicos

(1492-1504) 
 
 (1)Escudo monumental de los Reyes Católicos, sostenido por dos caballeros tenantes en Támara de Campos (Palencia)

Estos días he vuelto a sorprenderme con una fotografía de unos caballeros desconocidos para mí. Ha sido a través del magnífico blog sobre Arte de Sira Gadea:
http://viajarconelarte.blogspot.com.es/

Se trata  de la escultura de dos caballeros que sostienen un monumental escudo de los Reyes Católicos, ubicado en la torre de la Iglesia de la Asunción y San Hipólito de Támara de Campos (Palencia).
El conjunto escultórico es una obra de singular belleza y cargada de simbología.
Los dos caballeros hacen a modo de “tenantes”, sujetando el escudo. Éste es un motivo que podemos apreciar con frecuencia en el arte gótico y posteriormente en el Renacimiento, a lo largo y ancho de la Península Ibérica; lo encontramos en palacios, iglesias, capillas y sepulcros así como en otros monumentos civiles o religiosos.
Los tenantes suelen aparecer en número de dos, uno a cada lado del escudo y pueden ser ángeles, “salvajes” o figuras mitológicas, pajes, soldados o caballeros.
Los escudos suelen ser los que representan la heráldica de la persona que mandó realizar aquella construcción, como es el caso de los palacios o edificios con un patronazgo definido, en otras ocasiones adornan las capillas funerarias de los patronos que las mandaron edificar, en cuyo caso suelen estar dentro de la capilla, y en ocasiones también por fuera del edificio.
En los edificios pertenecientes a la Corona (palacios, castillos…) o dependientes de ella (como es el caso de los pósitos y carnicerías) o  bajo su protección, también podrían aparecer; en este caso con la heráldica de los reyes.
La presencia de estos escudos, no deja de ser, por tanto un elemento propagandístico de pertenencia o adscripción a un personaje, un linaje o una institución.
El caso que nos ocupa es además singular por el hecho de que a pesar de haberse derruido la primitiva torre de la Iglesia en el año 1568, se volvieron  a colocar los escudos y tenantes en un lugar principal de la nueva torre. Lo cual no es de extrañar, pues durante todo el Renacimiento y por mucho tiempo aún  persisten este tipo de esculturas heráldicas, y porque mantienen su carácter simbólico.
(2)Escudo cuartelado de Fernando II de Aragón e Isabel I de Castilla, con sus armas combinadas y el símbolo de Granada

Los caballeros sostienen en el centro un gran escudo de los Reyes Católicos, que consta de un blasonado cuartelado, apareciendo en los cuarteles primero y cuarto un contracuartelado con las armas de Castilla y León y en el segundo y tercero un partido de Aragón y Sicilia, según lo acordado por ambos cónyuges en la concordia de Segovia en el año 1475.
 
Pero además aparece la Granada en la zona inferior, símbolo que fue incorporado al escudo de los Reyes tras completarse la conquista de Granada en el año 1492
No aparecen aún, sin embargo, las armas alusivas a los Reinos de Nápoles (representado con las armas del Reino de Jerusalén y Hungría) ni están todavía las cadenas de Navarra.
Se trata por tanto de un genuino escudo de los Reyes Católicos tallado entre los años 1492, año de la conquista de Granada y 1504, año del fallecimiento de la Reina Isabel.
Sobre el escudo está la corona real, y sosteniendo el escudo en su parte superior con sus garras está el águila de San Juan, símbolo ligado a la Reina Isabel, ya usado por ella como princesa.
(3) Los caballeros representan el modelo de armadura propio de finales del siglo XV o principios del siglo XVI.
En ambos extremos aparecen dos escudos idénticos más pequeños, sujetados mediante una correa y sostenidos por un león respectivamente cada uno de ellos.
Ambos escudos presentan el lema de los Reyes: “Tanto Monta”, alusivo a la actitud de Alejandro Magno ante el “nudo gordiano” que unía la lanza y el yugo del  carro de bueyes del mítico rey Gordio.
Alejandro tras unos momentos de vacilación inicial sacó su espada y de un tajo lo cortó, se quedó tan contento y dijo aquello de “tanto monta cortar como desatar” y seguramente pensó también “y vamos a otra cosa que tengo prisa…”
Bueno el caso es que a los humanistas del principio del renacimiento les encantaban estos acertijos y símbolos… aunque a mí lo que me explicaban en el cole era aquello de “Tanto monta, monta tanto Isabel como Fernando” que seguro que viene a ser lo mismo que lo otro y que es en esencia lo que querían transmitir.
Bajo el lema, el símbolo: el yugo y las flechas.
Muchas edificaciones de la época de los Reyes Católicos se adornan de manera repetitiva con estos motivos heráldicos y simbólicos, pensemos en los escudos de la Iglesia de San Juan de los Reyes en Toledo, o los yugos y flechas en uno de los claustros de San Esteban de Salamanca, o los escudos reales en el patio principal del Colegio de San Gregorio de Valladolid con su cenefa superior jalonada por completo de yugos y flechas.
Vendría a ser por expresarlo con lenguaje actual y como me decía una amiga en Granada observando la fachada del convento de Santa Isabel: “la marca Reyes Católicos”; y exactamente eso era, el distintivo, su marca o logotipo, como diríamos hoy en día.
En otras ocasiones nos encontramos la alternancia de escudos coronados en cuyo interior aparecen la letra Y por Isabel y F por Fernando, de manera correlativa. Aunque en este caso no aparecen.

Los caballeros.

Bien, pues todo esto que hemos dicho nos sirve, entre otras cosas, para saber que se trata de dos caballeros vestidos con armaduras, cuyas tallas fueron realizadas entre los años 1492 y 1504; que es el tiempo de vigencia real de este escudo en concreto con estos cuarteles, tal y como hemos visto.
Una pregunta que puede asaltarnos al ver este tipo de esculturas es: ¿son fiables o representativas realmente estas esculturas?
Pues yo que llevo varios años mirando y escudriñando este tipo de esculturas puedo deciros que sí, que son muy fiables.
En primer lugar porque el artista peninsular o europeo de la Baja Edad Media y del principio de la Edad Moderna suele huir de la invención, él desea reflejar lo más fidedignamente posible la realidad, pintar o tallar con el mayor esmero posible hasta el más mínimo detalle de los ropajes y armas de los personajes representados.
Y aunque en ciertos momentos pueden tomarse determinadas licencias, suele ser en contextos creativos muy concretos, que tendremos más adelante ocasión de comentar.
Y en segundo lugar, y como dice mi amigo José Daniel, las armas y armaduras representadas en estas pinturas y esculturas siempre van a hacer “match” (igualar/emparejar) con piezas reales; es decir, vamos a tener casi siempre la oportunidad de encontrar en museos o colecciones ese mismo casco, esa misma coraza que hemos descubierto representada en una escultura. Y es cierto… se cumple.
Caballero nº 1:
El primer caballero, situado a la derecha de la imagen, según la vemos, lo diferenciamos claramente por no llevar ningún tipo de casco.

(4) Caballero con armadura completa, gorra y alabarda
Cubre la cabeza con una gorra de las que se denominan de media vuelta y con lo que parece un “joyel” en un lateral. Este tipo de gorras un poco más sofisticadas ya nos está hablando del camino hacia el 1500, tal y como hemos visto en otras entradas.
El pelo lo lleva largo, algo rizado, y le cae descuidadamente sobre los hombros, característico de todo este período final del siglo XV y principios del XVI.

Viste una armadura:
- La coraza aparece formada por peto y sobrepeto (con marcada arista central), que solían ir unidos por un remache en su parte superior y unas correítas laterales. El sobrepeto termina en su borde superior en una forma artística lanceolada con dos hojas laterales, lo cual era habitual.
- La sobrebarriga está formada por varias launas de metal, en las que igualmente se remarca la arista central. Presenta además una correíta central para unirse a la coraza.
-  Las escarcelas, más anchas que las que hemos podido ver en la época de la guerra de Granada, también nos indican que estamos en el cambio del siglo XV al XVI.
- Bajo la armadura viste una lóriga de cota de malla, en este caso algo más larga que las habituales para esta época, hasta el tercio inferior del muslo.
- Protege las piernas con quijotes, rodilleras y grebas. No se puede apreciar en la fotografía si lleva escarpines ni sin terminan en punta o algo redondeados.
- Cubre sus extremidades superiores con hombreras, brazales (para brazo y antebrazo), codales y guanteletes del tipo “manopla”.
- Las hombreras: no pasan desapercibidas las grandes hombreras formadas por launas de metal unidas entre sí.
Quizás sean las hombreras uno de los elementos más complejos de las armaduras peninsulares, ya que en algunos casos se asemejan a los de las clásicas armaduras milanesas mientras que en otros adoptan formas diferentes y poco vistas.
También hemos visto en otras entradas como en muchas ocasiones nuestros caballeros se despojaban de esta pieza de la armadura para mayor comodidad.
Armas:
- En el  costado izquierdo se aprecia una empuñadura, posiblemente de un puñal, por la manera alta de ceñirlo y la forma del pomo, habiéndose perdido otros detalles de la vaína.
- En las manos sostiene una alabarda, arma utilizada con gran éxito desde finales de la Edad Media por la infantería y que le permitió enfrentarse a unidades de caballería pesada. El prestigio de esta arma dio denominación al hombre que la portaba “alabardero”, siendo usada también como como arma ceremonial. De nuevo, lo simbólico, no parece casualidad que los dos caballeros custodios del escudo de los Reyes porten esta arma.

Caballero nº 2:
 El segundo caballero, lleva también una armadura completa:

(5) Caballero con armadura completa, almete y alabarda
- La coraza parecer estar formada sólo por un peto simple. En su zona derecha se aprecian las “muelas” para la colocación del ristre.
- Dispone asimismo de sobrebarriga formada por launas de metal, y grandes escarcelas.
- Protecciones completas para las piernas.
- Protecciones completas para los brazos y hombreras redondeadas.
- Lo más distintivo de este caballero es el casco con el que cubre la cabeza, se trata de un tipo de casco denominado “almete”. Estos cascos eran muy cerrados y daban buena protección para la cabeza el cuello y la cara, disponían además de una visera móvil, que en este caso el caballero lleva levantada.

(6) Casco español procedente del Museo Metropolitano de Nueva York, fechado entre 1450-1500 y etiquetado como Sallet, se trata en realidad de un almete con unos acabados en la visera que recuerda al sallet o celada, aunque mantiene todas las características propias del almete. Se podría datar hacia finales del siglo XV.
 
Este tipo de casco fue muy frecuente ya desde la década de 1450 y se mantuvo con diferentes variantes durante más de un lustro, ya que aún se continuaba usando al comenzar el siglo XVI. Su problema fundamental radicaba en ser excesivamente cerrado, motivo por el que fue menos usado que otros tipos de cascos más abiertos.
- El almete más utilizado fue el denominado en “pico de gorrión”, formado por sobrecalva y visera. Del almete solía pender como es el caso de este caballero una protección de cota de malla.
-  Como armas lleva una espada al cinto y porta una alabarda.

Un ejemplo de armadura realizada entre los años 1490-1500 es la armadura de Fernando II de Aragón, que se conserva en el Kunsthistorischen Museum de Viena, en la que podemos apreciar como el casco es del tipo "almete". Ver los  siguientes enlaces: 
http://www.pinterest.com/pin/138978338470767915/
http://www.pinterest.com/pin/138978338470768233/
 
Conclusión:
Nos encontramos probablemente ante dos caballeros de una fecha cercana al 1500, que siguen utilizando prácticamente el mismo tipo de armadura que en los decenios anteriores, salvo por pequeños cambios que se van haciendo perceptibles poco a poco.

El desarrollo creciente de las armas de fuego y de las compañías de infantes armados con picas y alabardas, como las que portan estos caballeros, cambiarán en los siguientes decenios las tácticas de combate y la indumentaria de los caballeros que deberá adaptarse a los nuevos tiempos, surgiendo nuevas modas y formas de armarse durante el siglo XVI, pero eso ya lo iremos viendo.
 
Agradecimientos:  
A Sira Gadea, por descubrirnos cada semana nuevos tesoros artísticos de España y de otros países, como el de estos caballeros, a través de su magnífico blog; y por facilitarme sus fotografías para este trabajo.
A José Daniel Cabrera que, además de ser un fantástico ilustrador histórico, es para mí una referencia en la comprensión de las armaduras y las protecciones corporales en la Edad Media.
 
Fotografías:
 

Para conocer más sobre el tema se pueden consultar las siguientes páginas: